CULTURA

DOSADOS nace de una conversación entre cuatro artistas, de un diálogo fluido y recurrente entre Medellín y Bogotá -dos artistas locales y dos residentes de la capital-, y de la reflexión entre dos lugares: la escala más íntima de la Galería de Arte Contemporáneo Paul Bardwell del Colombo Americano y la Sala de Arte de Suramericana, ideal para albergar obras de gran formato.

La exposición presenta cuatro visiones sobre problemas contemporáneos que los artistas nombran y señalan con espíritu crítico o reflexivo: corrupción, género y espiritualidad, recursos naturales / ecología y un ideal de desarrollo fallido reclaman su sitio en estos dos espacios, para establecer un encuentro entre sí y con los otros, o también un desencuentro entre diversas cuestiones que conviven e interactúan en sala.

Este intercambio de ideas y perspectivas no está exento de conflictos, tensiones, apariencia e intereses opuestos, pero estas dicotomías terminan por ampliar y dotar de contenido a ambos espacios. DOSADOS es un ejercicio diverso e inclusivo en el que las obras -como la poética sugerida por el nombre- se adosan para construir una narrativa en la que cada una de ellas es un ente autónomo, que como en el mundo, convive con las demás para construir un ecosistema. Las salas de exposición del Colombo Americano y de Suramericana incluyen estas cuatro voces que desde la diversidad de sus proyectos articulan un utópico espacio -público- deliberativo, en el que lo colectivo se nutre de lo individual y viceversa.

Julián Posada
Curador

Camilo Gómez es un artista interesado en la generación de imágenes a través del collage. En la era de lo digital, la imagen impresa toma nuevas connotaciones y se convierte en materia prima para la generación de nuevos contenidos.

Las imágenes que Gómez usa son obsoletas; la moda, la ciencia, la religión, el mercado, el consumo, la historia y el arte aparecen sugeridos y se mezclan con textos sugerentes para reconfigurar nuevas nociones del discurso a través de la imagen.

Todos estos temas son tratados con la misma rapidez y ligereza que el mundo de la imagen digital ofrece a lecturas complejas del símbolo, es decir, las narrativas y el recuento histórico que podemos inferir en la imagen impresa se convierte en cultura popular, una versión más “liviana” del discurso. Sin embargo, eso que llamamos cultura popular es mucho más profundo y está conectado directamente con nuestro sistema de creencias, es decir, ofrece una lectura de las nociones de nuestro propio ser en comunidad.

Crónicas de un cuerpo testigo es una propuesta de creación artística derivada de un ejercicio de investigación en torno a los acontecimientos violentos que enmarcaron los últimos años de la década de los ochenta y los primeros años de la década de los noventa. Esta propuesta se configura como un ejercicio de reflexión surgida de la relación arte / memoria y cómo esta constituye un territorio donde confluye la memoria individual y colectiva.

La exposición está compuesta por tres elementos: en primer lugar, una serie pictórica llamada Decúbito con aproximadamente 10 obras de mediano formato; en segundo lugar, un dispositivo de archivo, que a modo de catálogo de fichero de criminalística, contiene aportes textuales que dan contexto a la propuesta pictórica; y finalmente un juego con imágenes presentadas en formato de video que revisa semejanzas entre imágenes icónicas del reporterismo de la época y de la historia del arte.

El ejercicio que John Mario Montoya propone tiene que ver con preguntas por la imagen y su capacidad de representación. Las formas en que se construye un relato histórico se deconstruye y se reinterpreta cada vez que se asume el reto de congelar un instante en formas y composiciones que nos facilitan el acceso a la información. Las pinturas, archivos y comparaciones con imágenes propias de una tradición pictórica occidental, romantizan un relato que es cruel y urgente, pero que a su vez apelan a la conciencia acerca de la vigencia y relevancia de la construcción de la memoria histórica.

Actualmente la saturación de información proveniente de distintos medios, como los dispositivos móviles, tecnológicos y publicitarios, alcanza niveles insospechados de crecimiento, sumándose al mayor auge que jamás haya existido en la facilidad de idear, producir y divulgar imágenes en una cantidad desbordada de medios comunicativos -entre los que por supuesto se cuenta las redes sociales- que consumen y utilizan las grandes masas en las diferentes ciudades del planeta tierra.

En este contexto, nace en 2020 #neWeed, una propuesta artística de Zatélithe que cuestiona y expresa su visión del congestionado mundo en el que vivimos, un proyecto que se materializa sobre lienzos, muros y en un trabajo discográfico compuesto de nueve canciones.

La serie de obras que conforman esta exposición ha sido creada con elementos del cómic, el street art y el Neo-Pop, utilizando una paleta cálida e ilimitada de color, la cual invita a realizar una lectura sobre la manera en la que el sujeto -individual- y la sociedad -colectivo- está consumiendo y acumulando información constantemente, y a la cual se adapta fácilmente.

El dinero, la segregación, el uso de calificativos y colores para denominar etnias, la contaminación visual y sonora, dialogan y se enfrentan en estos lienzos tras la mirada de un artista que a ratos desde la crítica le sigue el juego a la cultura pop alternativa y la  analiza desde los lentes del afrofuturismo1.

*Corriente de pensamiento y estética que explora la intersección entre la comunidad afrodescendiente con las tecnologías descolonizadas.